10 flotte scener i musikalsk historie

Etter den overraskende suksessen til min første liste (som jeg mener at det ikke umiddelbart ble kastet på den virtuelle slushbunken), følte jeg meg inspirert til å skrive en annen. Denne listen fokuserer på noen av de best elskede scenene i musikalsk teaterhistorie, og dekker rundt seks og seksti år. Det er unødvendig å si at det er vanskelig å sammensette seks tiår i 5000-odde ord, men man prøver.

I motsetning til min siste liste, er ikke alle musikalene som disse scenene kommer fra, vellykkede eller minneverdige, men scenene selv er klassiske, innovative eller viser stor talent. Jeg har vært trygg nok til å gå inn i mer detaljert denne gangen, selv om jeg også har forsøkt å være sikker på ikke å gjenta noe som allerede var besøkt i den siste listen. Jeg kan forsikre deg om at min misfornøyde entusiasme for musikaler er tilstrekkelig til å fylle to lister. Kanskje tre. Hmmm.

10

Singin 'i regnet Singin' i regnet (1952)

http://www.youtube.com/watch?v=rmCpOKtN8ME

En staude klassiker, Singin 'in the Rain, produserte en stjerne i 19 år gamle Debbie Reynolds, mens sementeringen av Gene Kelly ble ytterligere sementert. Det produserte også sin co-star Donald O 'Connors mest minneverdige og populære dansesekvens, "Make' Em Laugh," hvor han viste sine anstrengende, akrobatiske dansevner. Scenen har blitt gjenopprettet mange ganger siden, på forestillinger som Glee (dessverre), og Oscarene.

Men scenen som er mest kjent er utvilsomt tittelsangen, på grunn av det uforglemmelige bildet det overfører Gene Kelly, paraply i hånd, danser i regnet. Det er vanskelig å velge hva som vil bli en øyeblikkelig klassiker, men siden starten har denne scenen blitt gjenopprettet, æret, referert og spoofed flere ganger enn kanskje en annen scene i kino. Det ble også remixet ganske nylig i en bemerkelsesverdig Volkswagen-reklame.

En av de mest fengslende tingene om denne scenen er hvordan polert og strengt koreograferte det virker, mens bak kulissene var det alt annet enn. Mange mennesker er klar over historien om at Gene Kelly er ekstremt syk mens han skyter denne scenen. Å nekte å forlate settet til han kunne løpe gjennom scenen minst en gang, er legenden at den ble skutt i en gang, med svært begrenset blokkering. Begrepet slikt klassisk stykke kino blir skapt i en kortfattet oppgave, og er veldig romantisk og har fanget fantasiene til skuespillere og publikum siden.

Regnet selv var laget av vann og melk for å gjøre det tykkere og mer synlig på skjermen. Tappingen av Genes sko ble også kalt senere, og dette ble også gjort for mye av Debbie Reynolds 'tapping i filmen. Til tross for disse klumpete tekniske detaljer, ville seeren aldri vite hva det var gjort for å få scenen til å fungere. Sangen, sammen med Gene Kelly's ubestridelige talent, skapte en klassisk scene i kino, og en av de største i danshistorie.

9

To små jenter fra Little Rock Gentlemen Prefer Blondes (1953)

http://www.youtube.com/watch?v=iqBIhPOFA5w

Selv om det ikke er et spesielt godt eksempel på Marilyn Monroe eller Jane Russells beste sang eller dans, var denne sangen åpningsscenen i Gentlemen Prefer Blondes, filmen som lanserte Marilyn Monroe til stjernestatus. Marilyn hadde dukket opp i noen få vellykkede filmer før denne produksjonen, som Monkey Business (1952) og Niagara (1953), men det var ikke før herrer foretrekker blondiner som hun fikk stor oppmerksomhet. På denne tiden ble hun fortsatt ansett som en mindre kjent skuespillerinne enn Jane Russell, og hennes navn er derfor fakturert under Jane i åpningspoengene.

Da mannen ble filmet, hadde hun modellert en persona av smuldrende sexappell, innpakket i en nesten naiv, vidøyne uskyld. Marilyn ble opplyst under filmen av herrer at hun trengte å tone ned denne seksuelle magnetismen, noe som noen ganger kunne bli litt for intens for den søte, likbare (men litt conniving) rollen som hun spilte (Jane Russell ble ansett fortalt å tone det opp). Imidlertid begynte hun bare å treffe en akkord med den filmopplevende publikum med denne beregningen av seksualitet, og det var et populært aspekt av hennes skuespill.

I denne berømte scenen blir vi introdusert til Jane Russell og Marilyn Monroe karakterer i blendende Technicolor. Det var bare andre gang publikum hadde hørt Marilyn synge (den første var i en 1948 B-film kalt Ladies of the Chorus) og en av de tidlige glimtene av henne med platina blonde låser som skulle bli hennes signatur (før Monkey Forretninger, hun hadde prøvd flere forskjellige nyanser av blonde; i Ikke bry å knocke (1952) håret hennes er mer en gulaktig, gylden nyanse enn den hvite blonde vi er kjent med).

Det må ha vært klart for filmspillere, da de så dette blonde bombehellet eksplodere på scenen i sine prangende røde paljetter, at de så på en sann stjerne, en kvinne med ufattelig skjønnhet, og dessverre undervurdert talent. Hun holder seg lett sammen med sin mer erfarne co-star, og flaunts den pustete, drømmende sangstemmen som skulle bli en av hennes berømte varemerker.

Gjennom hennes ganske korte karriere var Marilyn vanligvis typecast som vakre men idiotiske sexpots. Til tross for denne personen på skjermen hadde hun en dyp interesse for psykoanalyse, veldig liberale trosretninger (særlig om likestilling), og ble sagt av tredje mann (og forfatter av The Crucible), Arthur Miller, for å være en hengiven kjøper av bøker. Det er en tilbakevendende rykt om at hun hadde en IQ på over 160, som, hvis sant, ville gjøre henne mye mer enn gjennomsnittlig intelligent.Sikkert mye mer intelligent enn en bestemt amerikansk president, er hun ryktet for å ha romansert på den slimne. Men "IQ ryggen" er bare en av mange som fortsatte å overflate i årene etter Marilyns død, noe mer kontroversielt enn andre. Hennes ofte svært klare kommentarer tyder på at hun var langt fra unintelligent, en gang quipping: "Speaking of Oscars, ville jeg vinne overveldende hvis Academy ga en Oscar for faking orgasmer. Jeg har gjort noen av mine beste handlinger overbevisende mine samarbeidspartnere, jeg var i ecstasy. "

Imidlertid kunne hun aldri kjempe mot den hyppige skriveprosessen, selv om hun klarte å avvike fra hennes blonde ditz rolle i noen av hennes filmer, som Niagara, Bus Stop (1956) og The Misfits (1961). Til tross for hennes suksess var Marilyns liv også veldig bekymret. Mot slutten av livet var hun veldig syk og led to miskarrierer. Gjennom hele hennes liv led hun av depresjon og staver av vill selvødeleggelse. Hun ville vise seg å filme sent, dazed, fylt av piller, og noen ganger ville ikke dukke opp i det hele tatt. Hun ble utbredt som et mareritt å jobbe med, på grunn av hennes uprofesjonelle oppførsel og problemer med alkohol og narkotika.

En av disse øyeblikkene var på settet The Prince and the Showgirl (1957) hvor den anerkjente skuespilleren Laurence Olivier ofte angrep Marilyn for sin tardiness og for å glemme hennes linjer. Marilyn følte at hun ble gjort til å føle seg utilstrekkelig og uønsket av den engelske stormen (skjønt etter hennes død ville han uttrykke sin avsky for hvordan hun var utålmodig utnyttet av næringen). Men hun forteller også mer lurt av hvordan hun hadde appetisert ham da han en dag "hadde gitt henne helvete" om å "skru opp": "Jeg lurte på ham ved å fortelle ham at jeg trodde at Hamlet (1948) var en av de største filmene noensinne laget. Du vet at han vant en Oscar for det. "

8

Jentejakt Bandvognen (1953)

Denne scenen, fra filmen The Band Wagon, er et lite stykke fra filmens klimaks. Filmen sentrerer på sløv Hollywood-skuespiller Tony Hunter (Fred Astaire), som føler at stjernen hans er avtagende og at hans berømmelse tørker opp. Han er overtalet til stjernekunst i en lystartet musikk som hans to forfatterskap venner har skapt. De anvender misguidedly Jeffrey Cordova (Jack Buchanan), en skuespiller og regissør med mange forestillinger som kjører samtidig på Broadway, for å hjelpe til med produksjonen.

Melodramatisk, og litt pretensiøs, forvandler Cordova umiddelbart den sjarmerende musikken til et stormfullt drama, komplett med komplekse mekaniske sett som til slutt fungerer og ødelegger premieren til showet. Han benytter også den statueske ballettdanseren Gabrielle Gerard (Cyd Charisse) til å stjerne ved siden av Tony. De to opprinnelige sammenstøt, men kommer sammen til slutt for å gjøre showet til en suksess.

Etter at Cordovas produksjon kollapser, overbeviser Tony ham om å vende tilbake til vennernes originale sanger. Disse inkluderer en montasje med tittelen "Girl Hunt", som er en spoof av kriminalfiks og de "hardboiled" detektiver som ofte vises i den. I denne scenen spiller Fred Astaires karakter en gruffdetektiv på jakten på plagerne til en delikat blonde, spilt av Cyd Charisse's karakter Gabrielle. Gabrielle spiller også en sultrig, "farlig" brunette, som forsøker å forføre detektivet.

Cyd Charisse og Fred Astaire var begge ekstraordinære dansere, som denne scenen utvilsomt viser. Cyd Charisse ble bokstavelig talt oppdrettet for å være en danser og holdt den i betraktning over selvvirkende. Bena hennes var forsikret for $ 5 millioner, og hun er en av de få kvinnene som har danset med både Fred Astaire og Gene Kelly, andre inkluderer Rita Hayworth, Debbie Reynolds og Judy Garland.

Fred Astaire var kjent for sin utrolige nåde, hans perfeksjonisme og lyshet på foten. Gene Kelly ble ofte kjent for sin styrke og styrke, mens Fred Astaire var mer presis, og noen ganger ansett som mer koordinert. Men selv Cyd Charisse selv ble svært diplomatisk i saken og kommenterte i hennes selvbiografi: "Det er som å sammenligne epler og appelsiner. De er begge deilig. "

7

Rich Man's Frug Sweet Charity (1969)

For å hoppe frem rundt seksten år, var Sweet Charity ikke heldig nok til å bli født på 1950-tallet, hvor tvilsomme tomter og søte-til-feil-heroiner generelt ble tilgitt dersom musikalske numre vellykket sank for det. Sweet Charity-stjerneskuespiller, sanger og skuespiller Shirley MacLaine, som tok en av filmens sanger "Hvis mine venner kunne se meg nå" som hennes varemerke.

Filmen bærer også en annen staude favoritt, "Hei, Big Spender." Filmen i seg selv følger misadventures of Charity Hope Valentine (jeg fortalte deg at hun var søt), en naiv danser for utleie, aka prostituert. Til tross for å bli stadig utnyttet av livet og faller på vanskelige tider, forblir hun håpløs. Hennes drømmer ser ut til å ha gått i oppfyllelse når hun forlater den seedy dansehall hun jobber i, og møter Oscar Lindquist (John McMartin), som synes å være forståelse for sin tidligere yrke, selv om han senere sliter med ideen.

Gjort på slutten av 60-tallet, kan denne musikalisten våge å takle problemer som tidligere musikaler ikke kunne. Prostitusjon ble ofte antydet i filmer i 30-, 40- og 50-tallet, som det var seksuell promiskuitet (Bette Davis's Jesebel (1938), og Joan Crawfords The Damned Do not Cry (1950) våren i tankene), men moralsk tvilsomme kvinner ble vanligvis straks straffet av ydmykelse eller heartbreak, eller ble drept av (Bette Davis's 1931 Waterloo Bridge er et eksempel på sistnevnte).

Noen ganger var seksualitet antydet ordløst for å unngå censorsens vrede.Cyd Charisse og Marilyn Monroe var ofte "offer for censoren", noe som betyr at de ble nøye overvåket for å sørge for at det ikke ble vist noen uheldig mengder hud, eller at de oversteppet merket når det gjaldt sexklagen. Cyd Charisse uttrykte sin underholdning med denne oppmerksomheten og sa: "Censorene var alltid der da jeg var på settet. Da jeg ble holdt opp, i en heis, var de oppe på stiger for å se om jeg var ordentlig dekket. "

Imidlertid sier i Sweet Charity Charity at hun sover hos menn for penger, men blir aldri skammet eller drept for sine handlinger. Hvordan håndtere dette problemet gjorde selv filmen av filmen ganske omstridt. Ross Hunter (produsent av 1967 Thoroughly Modern Millie) ble opprinnelig satt til produsent, men droppet ut på grunn av uenighet med regissør Bob Fosse om hvordan man håndterer den delikate saken om prostitusjon. Ross Hunter var ikke kjent for sin smak av gritty realisme, så det er mulig at han ikke ønsket at veldedighetens yrke skal nevnes i det hele tatt.

Storms i teacups til side, "Rich Man's Frug" er en eksepsjonelt godt koreografert og klumpete scene, hvor Charity følger med en kjendis til en eksklusiv klubb, og ser på gulvet. Musikknummeret ser også ut til å satirisere karakteren av kjendis og velbehag, og skaper en scene som er ganske bizar og utlandsk, komplett med cheetahs i bur og utførlige marmorstatuer. Scenen drar også praktisk talt med sekstitallet, og er veldig trofast på stilen og utseendet av tiden, og derfor er alene det svært minneverdig og morsomt å se på. Du forventer nesten at Austin Powers skal gå ut når som helst.

6

Summer Nights Grease (1978)

For å hoppe videre i ytterligere ni år, presset Grease igjen konvolutten når det gjaldt tabuobjekter. I denne filmen har tenåringsseks, drikking og røyking sterkt i historien (selv om lyricisten sørger for å nevne at Sandy og Danny er "atten" og derfor minst en samtykkeålder). I stedet for å vike bort fra fakta, maler musikknummeret "Summer Nights" et realistisk bilde av en videregående skole: guttene er nesten alle fascinert med sex, jentene kan være smålig og tofasede. Det er en åpenbar rivalisering mellom Sandy og Rizzo, som ikke deler de andre jenters interesse for Sandys sommerromanse med Danny, mens Dannys venner er mer interessert i "hvor langt" Danny kom med Sandy enn noe annet.

Denne elskede musikken ble vedtatt fra scenen og endret for å passe rundt at Olivia Newton-John var australsk (kanskje hun ikke kunne gjøre en overbevisende amerikansk aksent?), Noe som gjør Sandy ikke en amerikansk jente, men en australsk utvekslingsstudent. Avhengig av produksjonen har forestillinger av denne musikken siden valgt å beholde denne endringen eller ikke, (produksjonen i videregående skole valgte å beholde Sandys australske arv, overraskende).

Sensorene senket fortsatt tennene inn i filmens mange seksuelle referanser, og sørget for at noen av de mer rå referansene ble kuttet. Kanskje av frykt for å unnslippe censorene, besluttet produsentene å kaste Harry Reems som Coach Calhoun, på grunn av sin overveldede overbevisning om "konspirasjon for å fordrive uanstendighet på tvers av statslinjer" og hans bånd til voksenfilmer. Stockyard Channing, som spilte den promiskuøse Rizzo, hevdet i et intervju at hikkeene på nakken hennes i en av scenene var ekte, og at Jeff Conaway "insisterte på å bruke dem selv." Selv om jeg personlig tror at denne påstanden mer exemplifies Stockyards sure hvite enn noen uvanlige virkemåter som brukes.

"Summer Nights" -scenen skjer tidlig i filmen, og er uten tvil den mest kjente og best elskede av alle fett scenene. "Du er den som jeg elsker" og "Smurt Lightning" er også gjentagende og varige favoritter, men "Summer Nights" er den eneste sangen som skal vises i en insektmiddelavhengig kommersiell, slik at den tydeligvis overskrider listen. Det ga i et ganske kort nummer en god innsikt i 1950-skolens atmosfære som filmen ønsket å skape. Det introduserte og skildret karakterene til grunne Marty, stikkende Rizzo og søte, boblende Frenchy, og de av Dannys kvinnelige "T-Bird" -venner.

Olivia Newton-John viste sin sterke sangstemme, om ikke sterk skuespillerkompetanse, mens John Travolta fulgte opp sin populære rolle i Saturday Night Fever (1977) med en like anerkjent rolle, og begynte en svært lang og vellykket karriere i film.

5

Springtime For Hitler The Producers (1968/2005)

Jeg er en av de sjeløse menneskene som foretrekker den fryktelige 2005-gjenopprettelsen til The Producers enn den klassiske, banebrytende originalen. Jeg føler meg urent for å innrømme det, men det er det. Det er Nathan Lane, og han er fantastisk, og jeg er svak. Men, bekjennelser til side, er dette musikalske nummeret kanskje et av de mest morsomme, vakreste satiriske tallene noensinne laget. Det dripper med Mel Brooks 'rambunctious wit.

Mel Brooks mente at den beste hevnen vi kunne ta på Adolf Hitler, for å påføre slik hat og elendighet i verden, var å mocke ham nådeløst, og han gjør det. I 1983-gjengivelsen av å være eller ikke å være, ser han ut som selve fuehreren og spør: "hva vil de ha fra meg !? Jeg er godmodig! Jeg er godhjertet! Jeg er flott! "Når han oppdager hva utenlandske aviser kaller ham, og fortsetter å synge at han ikke vil ha krig, vil han ha fred! Et lite stykke hvert land i Europa.

Produsentene var en av hans mest suksessfulle og kjære komedier, sammen med Gene Wilder med Zero Mostel, og skaper et av de morsomste, mest offensive tallene i musikalsk historie. Brooks tilpasset senere filmen til scenen, og gjorde det til en musikalsk. Nathan Lane dukket opp som Max Bialystock i sceneproduksjonen, og tjente hans andre Tony-pris. Hans erfaring på scenen er kanskje hvorfor han gikk bedre enn Mathew Broderick i remake, og er så morsom som den lurvede Max Bialystock.

2005-gjenopptakelsen er faktisk mer en trofast gjenopptakelse av scenen musikalsk, enn den opprinnelige filmen, som ikke hadde noen av de musikalske numrene som senere ble skrevet for scenen ("Vi kan gjøre det", "Hold det gøy", "Du Aldri si god lykke på åpningsnatt, "" Forrådt ", osv.), Og forskjellige tegn til gjenopprettingen. For eksempel, i 2005-gjenopprettingen, er Hitler avbildet som svært effektiv, mens han i opprinnelsen er avbildet mer som en narkotikamessig riddare.

Filmen og musikalske begge senter på Max Bialystock (for øvrig er 'Bialystock' også den polske byen Brooks 'forfedre som bodde i, og som ble ødelagt av nazistene i andre verdenskrig), som møter mousy-regnskapsføreren Leo Bloom for å gjøre størst mulig floppen i historien, i håp om at pengene de øker for produksjonen, vil være langt mer enn det som trengs. De velger "Springtime For Hitler", et spill som er bestemt for å fornærme folk overalt, og ansette en kitschy regissør, den vanvittige nazist-sympatiserende dramatiker og inaktive skuespillere for å sikre at musikken har korteste kjøringen på Broadway i historien.

Å dreie nazistiske tyskland til en scenemusikk er bare om den mest støtende ting noen kan prøve, men med sin outlandish over-the-top galskap er "Springtime for Hitler" ingenting annet enn strålende i sin forsettlige smakløshed. Både 1968 og 2005-versjonene av "Springtime for Hitler" -scenen omfatter sterkt Brooks satiriske humor, men originalen har fordelen av å være, vel, originalen. Og om å ha Brooks dubbe en av danserens linjer ("Vær ikke dum, vær smart. Kom og bli med i Nazi-partiet!"), Men i 2005-versjonen ser vi som litt kledde soldat kvinner tar tappene av usynlige granater med tennene, mens en blond John Barrowman (Torchwood) dons en tysk uniform. Det er en tøff en.

4

La Vie Boheme RENT (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=czJHTEeEJmU

Selv om det ikke nødvendigvis var en spesielt minneverdig film i seg selv, produserte RENT en virkelig utmerket scene, og det ble ledsaget av sangen "La Vie Boheme." Basert på sceneproduksjonen med samme navn, leier sentrene på livene til fattige bohemere som bor i New York. Blant dem er en filmskaperen, en musiker, en narkotikaavhengig eksotisk danser, en transseksuell og en filosofiprofessor (begge har aids) og en biseksuell performance artist.

Det virker som en overfylt og litt forvirrende premiss for en musikalsk, men LEIE handler ikke om lystløs komedie eller romantikk. Det takler utallige kontroversielle problemer, og sentrerer spesielt på AIDS-panikk i slutten av 1980-tallet og 1990-tallet. Det er også basert på Puccini operaen La Boheme, som har en lignende historie om sliterende kunstnere og musikere.

Filmen er mer eller mindre en serie grusomme, hardt slående tall, om mange problemer, som seksualitet og heroinavhengighet. Sceneproduksjonen gikk langt bedre enn filmen, og vinner Tony for Best Musical, mens filmen led av den "staginess" som så ofte fremmer publikum fra musikaler. Dens (noen ganger overveldende) dystre materiale er ikke nok til å gjøre opp for det faktum at det er veldig liten dialog, og noen av tallene virker ubehagelige og urealistiske utenfor scenen. Noen av scenene til de disheveled bohemians som plutselig bryter inn i sangen, er veldig klumpete.

Men feilene til side, "La Vie Boheme" er et av de lettere, morsommere tallene, og gir mye trengte lindringer fra det edrue dramaet. I stedet for å fokusere på bohemernes vanskeligheter, omfatter "La Vie Boheme" sine forskjellige forskjeller og tar et sterkt stativ mot konvensjon, konservatisme og fordommer. Tallet er klumpete og vittig, og tar særlig sikte på bohemians ex-romkamerat Benny Coffin III (Taye Diggs), som de føler har forrådt og forlatt dem. Benny tar en mer realistisk tilnærming til deres situasjon, påpeker at de sult og bor i et farlig, skitten nabolag, men virker ruffled av viser av seksualitet og trøbbel.

Sangen refererer også til The Wizard of Oz i linjen: "Hvorfor Dorothy og Toto gikk over regnbuen for å blåse av Tante Em. La Vie Boheme! "

3

El Tango De Roxeanne Moulin Rouge! (2001)

I 2001, etter en begrenset utgivelse i USA, startet Moulin Rouge en sakte, men sikker dominans over bokskontorer over hele verden. Baz Luhrmann, med sitt uberegnelige, skarpe varemerke, skapte en film med enorm makt og appell, og tok begrepet "jukeboxmusicals" i større grad enn noen annen film hadde før. Det refererte til et stort utvalg av kunstnere og musikk, særlig i sangen "Elephant Love Melody" der et flertall av sangen er opprettet av enkle tekster fra kjente kjærlighetssanger fra artister som The Beatles, Whitney Houston, David Bowie, Elton John , og U2.

"El Tango De Roxanne" (basert på sangen "Roxanne" av The Police) finner sted mot slutten av filmen.Kristen og Satin er elskere, men hertugen går aggressivt etter Satin og gir ingen hemmelighet om hva som vil skje hvis han oppdager at Satin er utro mot ham. Som nummeret begynner, har Satine blitt tvunget til å tilbringe natten med hertugen, og kristen er intens jaloux. Når han sitter i broderi med de andre innbyggerne i Moulin Rouge, tar han ut sin raseri på en av de andre prostituerte, og ber om at hennes elsker, den ubevisste argentinske (Jacek Koman), motsetter seg Christian, og beskylder ham for å bringe den på seg selv for blir forelsket i en kvinne som selger seg selv: "Når kjærlighet er for høyeste budgiver, kan det ikke være tillit. Uten tillit er det ingen kjærlighet. "

Nummeret er nesten en throwback til 'Golden Age' kino, i den måten at den sentrerer seg i stor grad på tradisjonell, samarbeidende dans. Dette var vanlig i eldre musikaler: "Pick Yourself Up" fra Swing Time (1936), "You Was Meant for Me" fra Singin 'In Rain, "Girl Hunt" fra The Band Wagon (1953) er eksempler blant utallige andre . Men det syntes å miste popularitet som tiden hadde på seg, og ble stadig sjeldnere, kanskje fordi det var stadig vanskeligere å overbevise de yngre, mer kyniske publikumene om en realistisk situasjon da et par sporadisk ville briste inn i dans sammen. Kontrastfylt er kaotisk improvisert dans, som i "La Vie Boheme", langt lettere å integrere.

Men i Moulin Rouge arbeidet bildet spektakulært av par som danset i "El Tango De Roxanne" spektakulært, til tross for den vanskelige oppgaven med å sy sammen med den sekundære plottet av Satine og Hertugen. Det er et eksempel på feilfri musikalsk kino. Det er ingen søm mellom den talte dialogen og musikken, den smelter sammen perfekt.

Laced mellom tango av menn og kvinner i Moulin Rouge, ser vi scener av hertugen og satinene sammen. Hertugen mener at Satine er slått sammen med ham, og det er overdådige gaver på henne, men hans humør kommer snart når han skjønner at det ikke er han som Satine er forelsket i.

Forresten spilles den viktigste danseren i denne scenen ("Roxanne") av Caroline O 'Connor, en berømt australsk skuespillerinne, best kjent for sin rolle som Velma Kelly i sceneproduseringen av Chicago.

2

The Cell Block Tango Chicago (2002)

Jeg leste nylig at en kritiker, ved å se på Chicago, hadde trodd at "Cell Block Tango" hadde spilt ut i filmen, akkurat som den hadde på scenen, og jeg kan fortelle deg at ingen som har sett både filmen og sceneproduksjonen kunne gjøre et slikt krav. Sceneproduksjonen er sentrert sterkt på minimalisme, og handlingene foregår mye som en vaudeville-show, hvilken type show som Renee Zellwegers karakter Roxie Hart desperat ønsker å stirre på.

The Ziegfeld Follies er ofte beskrevet som en "høyere klasse" av vaudeville-sorten som viste at det løp fra slutten av 1880-tallet til 1930-tallet. Vaudeville-showene var laget av et bredt spekter av handlinger, alt fra "freak shows" til sang og dans. Det hadde vanligvis de arketypiske vakre, kostyme-kledde refleksjentene også. For å opprettholde denne vaudeville-smaken presenterer Chicagos sceneproduksjon både klassiske dansnumre, som "All That Jazz" og "Jeg kan ikke gjøre det alene" og andre forestillinger, som den "ungarske forsvinnerloven".

Filmen holdt også vaudeville-smaken av noen av tallene, men var selvsagt i stand til å skape mye mer intrikate, komplekse scener som sceneproduksjonen. I likhet med "El Tango De Roxanne", hvor cutaway scener av Satine og hertugen er vist, bruker "Cell Block Tango" cutaway scener av Roxy i fengsel for å skape to plott, en som forekommer i Roxys sinn og den andre som er den virkelighet. Det er andre eksempler på dette. Spesielt bemerkelsesverdig er scenen når en av de fengslede kvinnene blir hengt. Den hengende scenen knyttes mellom skudd av en "magisk handling" kalt "Famous Hungarian Hungarian Disappearing Act". Scenen er mindre effektiv på scenen, fordi publikums fokus er delt mellom å se "forsvinner handling" og selve hengende.

Kritikeren er riktig ved at filmens opptak på "Cell Block Tango" kunne vært oversatt til scenen, ettersom ingen CGI-effekter ble brukt i scenen. Men det må være en produksjon av Phantom of the Opera-dimensjonene for å oppnå en slik prestasjon.

Til tross for de ekstra fordelene med cutaway scener (og et stort budsjett), tar filmens "Cell Block Tango" ellers ganske enkelt. Det er i utgangspunktet en ekstremt slank, storskala vaudeville-handling. Konseptet involverer hver morder i Cook County fengsel som forteller om drapet hun begikk, ved å bruke et rødt skjerf for å etterligne "hvor blodet ville vært".

Sceneproduksjonen som filmen er basert på, er i seg selv egentlig basert på en film (faktisk to filmer), som igjen er basert på de to svært offentlige forsøkene på to morder i 1920-tallet Chicago. Historien er tatt til skjermen to ganger før, en gang i en stille 1927 film med samme navn, og igjen i Roxie Hart (1942), der Ginger Rogers (Fred Astaires partner av valg) ser ut som Roxie.

1

Et sted over Rainbow The Wizard of Oz (1939)

Jeg bestemte meg for å legge til dette som en slags ekstra, fordi det har åpenbare forskjeller til de andre scenene. Mest åpenbart er at den inneholder ingen dans. Men en oversikt ville sikkert bli gjort hvis denne klassiske scenen ble utelatt (yay for agent mindre setninger). The Wizard of Oz lanserte en 17 år gammel Judy Garland inn i stjernen.Før denne filmen hadde hun dukket opp i flere små, uutholdelige filmer, og det var ikke før hun utførte "You Made Me Love You" på bursdagsselskapet Clark Gable at hennes firma MGM syntes å realisere sitt potensial.

The Wizard of Oz snudde Judy inn i et husnavn, og hun oppsto etter hvert i flere vellykkede musikaler: Møt meg i St. Louis (1944), ved siden av Fred Astaire i Easter Parade (1948), og ved siden av Gene Kelly i The Pirate (1948) . I en alder av tre år oppsto datteren hennes, Liza Minnelli, ved siden av henne i The Good Old Summertime (1949).

I likhet med Marilyn var Judys liv ekstremt bekymret og kontrollert av fem ekteskap og mange saker (noen av hennes påståtte elskere inkluderte Frank Sinatra, Yul Brynner og Orson Welles), samt flere forsøkte selvmord. Hun beskyldte ofte MGM for å få henne til å føle seg utilstrekkelig om hennes utseende og behandle henne dårlig. Som mange filmfigurer på sin tid, led hun av et alkoholproblem og en reseptbelagte rusmiddelavhengighet, og dette kan ha ført til overdosering og død i 1969, i en alder av 47 år.

Judy er fortsatt en av de mest anerkjente og berømte skuespillerne fra alle tider. Denne statusen er støttet av The Wizard of Oz 'varige popularitet, og sangen "Over The Rainbow", som gjorde henne til en stjerne og brakte henne med en strålende beundring. Sangen snagged # 1 på The American Film Institutes liste over "Greatest Songs" i løpet av de siste 100 årene. Sangens wistful tristhet er sterkt forbundet med Judy og hennes slutt tragiske liv.

Judy var ofte veldig åpen om problemene i hennes liv, og hennes ord antydet ofte på dyp ulykke. Hun ble sitert i biografien Judy (1999) og sa: "Jeg ville tro og jeg prøvde min forbannede å tro på regnbuen som jeg prøvde å komme over og kunne ikke. Og så? Mange mennesker kan ikke ... "

+

The Babbitt og Bromide Ziegfeld Follies (1945)

Mindre en film enn en serie av individuelle musikkakter, har Ziegfeld Follies en rekke stjerner: Fred Astaire, Gene Kelly, Judy Garland, Cyd Charisse, Lucille Ball, Lena Horne og en av de originale Ziegfeld Follies-jentene, Fanny Brice.

The Ziegfeld Follies var overdådige teatralske show som løp fra 1907 til 1937, og for det meste utstillede kvinner synger, danser eller bare viser utseende og figurer. The Ziegfeld Follies var kjent for deres ekstravaganse. Skaperen, Florenz Ziegfeld Jr., tenkte ideen om å ta den populære vaudeville-premissen av ikke-relaterte musikalske handlinger, og deretter omringe dem med store sett og kostymer. Han hadde også scener hvor vakre kvinner bare ville utgjøre på forskjellige måter, og kalte disse "levende bildene".

Historien om Ziegfeld Follies er ekstremt interessant og kontroversiell, men alt for lang til å diskutere her. Det gir likevel et ekstremt rikt lerret for enhver film. Dessverre er Ziegfeld Follies premiss ganske svak, og består av Florenz Ziegfeld som sitter i himmelen og mentalt oppmuntrer scenene som følger. Til tross for denne tynne historien, "The Babbitt and the Bromide" er virkelig bemerkelsesverdig. Side ved side er to legendariske dansere: Fred Astaire og Gene Kelly. Det ville være den eneste gangen de to ville danse sammen i sine karriere, bortsett fra det er Entertainment Part II (1976), 31 år senere.

Handlingen i seg selv består av et "Babbitt" og et "bromid" -møte på gaten og går i gang med en meningsløs og grunne diskusjon. En "Babbitt" er et ganske uklart ord for en selvsikker, smalinnstilt middelklass mann, og et "bromid" er et ord for en uoriginal eller ubegrenset talegruppe, noe som tyder på at Fred Astaires karakter også er begge disse karakteristika (forutsatt at Astaires karakter var bromidet, tror jeg ikke det var blitt adressert). Fred Astaires nåde og presisjon, Gene Kelly fysiske styrke og bemerkelsesverdige koreografi ferdigheter gjør for en klassisk, uforglemmelig scene.

Det er også minneverdig fordi det ses som møtet mellom to genier, særlig ettersom de to mennene spiller seg selv og ikke tegn. De plager hverandre i begynnelsen av scenen, Gene refererer til Freds hyppige dansepartner Ginger Rogers, og Fred gjør det samme til Genes dansepartner Rita Hayworth i 1944-filmen Cover Girl.