Dele:
Topp 10 største kinematografer
Kino er på mange måter en takkløs jobb. Alle vet hva deres grunnleggende hensikt er, hvor viktig det er for filmen, og hvordan visuelle bilder ofte er de mest minneverdige, og likevel vil mange kjempe for å nevne enda en filmfotograf. I filmens historie er kinematografens rolle en ofte forsømt, og likevel har de vært like viktige og innflytelsesrike som regissører, forfattere og skuespillere. For å feire dem, er her en liste over de ti største og mest innflytelsesrike filmene. Du kan også like våre topp 10 kino-mesterverk.
10Kazuo Miyagawa 1908-1999
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = 3iKN2klFN1E & hl = no & fs = 1 &]
Miyagawa er uten tvil den viktigste kinematografen i japansk historie, etter å ha jobbet med en som er hvem av japanske forfattere, blant annet Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu og Kenji Mizoguchi. Han er kanskje mest kjent for sitt arbeid på Rashomon, hvor han var den første personen som pekte på et kamera direkte i sollys (benytter år med studier på lyseksponering). Han var også kjent for å bruke flere kameraoppsett for scener, og anerkjente for sin kontrast av feiende sporingsskudd og skarpe nærbilder. Andre innovasjoner på filmen inkluderer å bruke speil for å reflektere naturlig lys og bruke farget svart vann som regn, for å gjøre det virke mer levende på kameraet. Han var også en sjanger av sjangere, som jobber med komedier (The Rickshaw Man), samurai-filmer (Zatoichi-filmene), så vel som å overvåke 164 kameramenn og bruke over 234 forskjellige linser til Tokyo Olympiad, ofte sammenlignet med Leni Riefenstahls Olympia som en av de største OL-dokumentarfilmene.
Noen av Miyagawas fantastiske arbeid på Rashomon kan ses i klippet.
Merkbare filmer: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho Bailiff (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Tokyo Olympiad (1965)
9 Sergei Urusevsky 1908-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = GFrHPcKiXaQ & hl = no & fs = 1 &]
Selv om det ikke er så vakkert som andre på denne listen, har Urusevsky oppnådd en nesten mytisk status blant kinematografer på grunn av sitt arbeid med russisk regissør Mikhail Kalatozov på slike filmer som jeg er Cuba og The Cranes Flying. Hans nesten utrolige kombinasjon av dypfokus, akrobatisk sporingsspor, subjektiv perspektiv og annen bemerkelsesverdig kinematografisk trickery var så forut for sin tid at det ikke ville bli sett i vest til over et tiår senere. Dessverre ble hans Kaltozov-samarbeid hovedsakelig begravet av den sovjetiske propagandamaskinen, og har bare nylig blitt restaurert takket være anerkjente beundrere som Martin Scorsese og Francis Ford Coppola. Hans spektakulære kameraarbeid, som ofte distrahert fra det riktige fokuset på scenen, ble forsvart av Urusevsky, og bemerket at "Det har aldri interessert meg som kameraman for å bare registrere hva som skjer foran kameraet." "
Det ovennevnte, mye berømte klippet er kanskje den mest berømte scenen i Urusevskijs repertoar, et ballettsporeskudd fra åpningen av jeg er Cuba, viser sitt blærende og originale kameraarbeid.
Merkbare filmer: Fyrre Først (1956), Kranene er Flying (1957), Den Ukjente Brev (1959), Jeg er Cuba (1964)
Vittorio Storaro Født 1940
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = gK3Vej7V7yM & hl = no & fs = 1 &]
Vittorio Storaro (født 24. juni 1940 i Roma) er en tre-time Oscar-vinnende italiensk filmograf. Han er mest kjent for sitt arbeid med Apocalypse Now (hans første Oscar), hvor han ble gitt fri regjering av Francis Ford Coppola for å fotografere filmens anerkjente visuelle utseende. Han fortsatte å vinne Oscars for Reds og The Last Emperor, som ble regissert av Bernardo Bertolucci, hans hyppigste samarbeidspartner. Storaro er allment ansett som en mesterkinofotograf med en sofistikert filosofi som i stor grad er inspirert av Johann Wolfgang von Goethes teori om farger, noe som delvis fokuserer på de psykologiske effekter som forskjellige farger har, og hvordan farger påvirker våre oppfatninger av forskjellige situasjoner. Med sin sønn, Fabrizio Storaro, skapte han Univisium-formatet for å forene alle fremtidige teater- og fjernsynsfilmer til et respektive aspektforhold på 2,00: 1.
Klippet er en scene fra The Sheltering Sky, og viser uten tvil den vakreste ørkenkatematografien som er satt på film. For en mye bedre kvalitetsvisning (og lengre versjon) av denne scenen, gå her. Du vil absolutt ikke bli skuffet.
Merkbare filmer: The Conformist (1970), Last Tango i Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
7 Sven Nykvist 1922-2006[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = c1Xrg9uw_8g & hl = no & fs = 1 &]
Som Ingmar Bergmans valgkino fikk Nykvist den ubøyelige oppgaven å transformere den svenske forfatterens oppsiktsvekkende, ofte surrealistiske bilder til virkelighet foran kameraet. Til tross for dette ble Nykvist kjent for sin subtilitet og enkelhet, som favoriserte naturalistisk belysning for å komplementere Bergmans sakte, stilige historiefortelling. Han var upretensiøs og ofte skjult bak hans tunge regissør, men Nykvist ble fortsatt anerkjent for sitt arbeid med to Academy Awards for Cries and Whispers og Fanny og Alexander. Nykvist jobbet også med styremedlemmer som Roman Polanski, Woody Allen og Andrei Tarkovsky. Han var den første europeiske kinografen som ble med i American Society of Cinematographers, og mottok en Lifetime Achievement Award fra ASC i 1996.
Over er en vakker scene fra Persona. Legg merke til den bemerkelsesverdige fading av lys.
Merkbare filmer: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Cries and Whispers (1973), Fanny og Alexander (1982), The Sacrifice (1986), The Unbearable Lightness of Being (1988)
6Gregg Toland 1904-1948
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = 4Tt840nlog0 & hl = no & fs = 1 &]
Gregg Toland var ikke med oss lenge, men det er æren til sin glans at han er så ærverdig i dag. Toland ble nominert fem ganger for Best Cinematography Oscar i løpet av en sju års gylden periode som varet fra 1936 til 1942, men det er hans samarbeid med Orson Welles på Citizen Kane som er mest husket. Selv om han ikke skapte dypfokuskatematografi, perfeksjonerte han det i Citizen Kane, slik at tegn i forgrunnen og bakgrunnen kunne skuttes i fokus samtidig. Faktisk var mye av filmens visuelle og kinematografiske geni - lave vinkler, høy kontrast, mørke skygger - selv om de ofte ble kreditert til Welles, i stor grad Toland. Welles anerkjente senere at Toland var å gi ham råd om kameraplassering og lyseffekter hemmelig, slik at den unge regissøren ikke ville bli flau foran det høyt erfarne mannskapet. Så gjeldsbetalt var han til Tolands arbeid, at Welles insisterte på at navnene deres kom sammen på sluttkredittene. Senere jobbet Toland på Disneys sang i sør, som kombinerte live handling med animasjon.
Ovenfor er et eksempel på dyp fokus i Citizen Kane.
Merkbare filmer: Wuthering Heights (1939), The Wrath Grapes (1940), The Long Voyage Home (1940), Citizen Kane (1941), How Green Was My Valley (1941)
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = AbchmWS5jIU & hl = no & fs = 1 &]
Nicknamed "The Prince of Darkness" for sin forkjærlighet for å bruke rike sorte og mørke interiører, mest kjent i The Godfather-filmer som han er best kjent for, er Gordon Willis kjent for sin innovative kinematografi som har gitt ham to Oscar-nominasjoner og hauger av respekt . Hans arbeid på The Godfather-filmene er legendarisk, og hans innovasjoner inkluderer banebrytende bruken av varme, fuzzy, gule gløder som representerer nostalgiske scener fra fortiden i The Godfather Part II, og den unike rekreasjonen av 1920-fotografering til Woody Allens Zelig.
Ovenfor er et klipp som viser Gordon Willis (og andre) som diskuterer kinematografi av The Godfather.
Merkbare filmer: The Godfather (1972), The Godfather Part II (1974), Alle presidentens menn (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), The Godfather Part III (1990)
4Christopher Doyle Født 1952
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = dRyU2mK4Rls & hl = no & fs = 1 &]
Selv om han var født i Australia, gjorde Doyle sitt merke ved å fotografere asiatiske filmer, spesielt arbeidet til Hong Kong regissør Wong Kar-Wai. Hans arbeid med regissøren, spesielt filmene Chungking Express, In the Mood for Love og 2046, er lovet for sine levende farger og farger, og han regnes som en av de viktigste arkitekter av asiatisk New Wave-kino. Han er også en av de få "superstar" -filmene, hvis rykte ofte er høyere enn de direktørene han jobber med.
Over er et klipp fra filmen Hero, hvor Doyles oppmerksomhet på levende farger var avgjørende for historien.
Merkbare filmer: Chungking Express (1994), The Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park
3 Conrad L. Hall 1926-2003[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = DWTNBRs7Ccs & hl = no & fs = 1 &]
Begynte med filmer som Cool Hand Luke og Butch Cassidy og Sundance Kid, Hall hjalp med å frigjøre tilnærminger til filming ved å gjøre, som Sight and Sound legger det, "å gjøre dydene til feil". Blemishes som solen treffer linsen, smuss kommer på linsen eller andre tilsynelatende forstyrrelser som ville ha nødvendiggjort reshoots tidligere, men Halls tilnærming illustrert den nye bølgen av amerikansk kino og bidro til å sette en mal for grisete, uavhengige filmer. Men Hall viste også at han kunne håndtere flere "uberørte" bilder, og fotograferte filmer som American Beauty senere i sin karriere. Han vant sin første Oscar i 1969 for Butch Cassidy og Sundance Kid, og måtte da vente 30 år for sin neste, for American Beauty. Hans tredje Oscar ble tildelt ham posthumously for Road to Perdition. I tillegg ble han nominert ytterligere syv ganger i løpet av sitt liv.
Over er en morsom scene fra Butch Cassidy og Sundance Kid, som Hall vant en Oscar.
Merkbare filmer: Cool Hand Luke (1967), Cold Blood (1967), Butch Cassidy og Sundance Kid (1969), The Locust Day (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
2James Wong Howe 1899-1976
[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = E1TOWhU7dik & hl = no & fs = 1 &]
James Wong Howe hadde over 130 filmer til sin kreditt, spenner fra den stille tid til farge. I løpet av 1930-tallet og 1940-tallet ble han ansett som en av de mest ettertraktede filmene i Hollywood. Han ble nominert til ti Academy Awards for kinematografi, vinner to ganger. I tillegg til å være en av de første kinematograferne for å bruke dypfokusfotografering, drev Howe teknikker for å øke øynene på B & W-film, tidlig dollyteknikk, håndholdt kamerateknikker og skyting av uvanlige lyskilder, som for eksempel ved stearinlys på The Molly Maguires.
Klippet er noe skarpt, vakkert svart-hvitt fotografi fra Hud, for hvilken Howe vant en Oscar.
Merkbare filmer: Den tynne mannen (1934), Alger (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Rose Tattoo (1955), Sweet Smell of Success (1957), The Old Man and the Sea Lady (1975)
1 Charles Rosher 1885-1974[Youtube = http: //www.youtube.com/watch v = CvUvr715rjg & hl = no & fs = 1 &]
Charles Rosher var en to-timers Academy Award-vinnende filmfotograf som jobbet fra de tidlige dagene av stille filmer gjennom 1950-tallet. Født i London var han den første kinematografen til å motta en Oscar, sammen med Karl Struss fra 1929. Rosher studerte fotografering i sin ungdom, men oppnådde et rykte tidlig som en kameratskuespiller, før han flyttet til USA i 1909. Han fant senere arbeid for David Horsley som jobber i sitt produksjonsfirma i New Jersey. Fordi tidlig film var i stor grad begrenset til bruk av dagslys, flyttet Horsley sitt produksjonsfirma til Hollywood i 1911, tok Rosher med ham og åpnet den første filmstudiet der. Dette gjorde Rosher til den første heltids kameramannen i Hollywood. I 1913 dro han til Mexico for å filme nyhetsopptak av Pancho Villa's opprør. I 1918 var han en av grunnleggerne av American Society of Cinematographers og fungerte som gruppens første visepresident. På 1920-tallet var han en av de mest ettertraktede filmene i Hollywood, og en personlig favoritt av stjerner som Mary Pickford. Hans arbeid med Karl Struss på F.W. Murnaus film fra 1927, Sunrise, ses som en milepæl i kinematografi. I tillegg mottok Rosher to Eastman-medaljer (oppkalt etter George Eastman), Photoplay Magazines gullmedalje, og det eneste fellesskapet som noensinne ble tildelt av Society of Motion Picture Engineers.
Ovenfor er et eksempel på Roshers revolusjonerende arbeid med soloppgang.
Merkbare filmer: Sunrise (1927), The Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
Listverse er et sted for utforskere. Sammen søker vi de mest fascinerende og sjeldne juvelene av menneskelig kunnskap. Tre eller flere faktapakker lister daglig.