10 Movie Musicals med en forskjell

Jeg elsker musikaler. Der. Jeg har sagt det. Og det gjør meg kanskje en av de sjeldneste sjeler rundt, fordi musikaler har blitt stadig mindre populært (og stadig mindre vanlig) siden 1960-tallet. I nyere tid har musikaler blitt nesten helt begrenset til teatre. Noe jeg er sikker på at alle dere er dypt sørget for.

De som konverteres til filmer, er så ofte helt ute av stand til å bære vekten av en scenemusikk, eller å oversette melodrama til noe publikum kan forholde seg til. Dette har ført til mange feil: The Producers (2004), The Phantom of the Opera (2005) og RENT (2005) for å nevne kanskje de mest kjente. Jeg likte alle tre av disse filmene, men mer på grunn av en inngrodd bias, enn fordi de var gode eksempler på hva en musikalsk bør eller kunne være.

Derfor vises de ikke på denne listen. Det som kommer til å være her er eksempler på filmmusikaler som har brakt nytt liv til en gammel form for underholdning, eller har ganske enkelt vært noen av de beste eksemplene på musikalske teater noensinne tatt med på skjermen. De har blitt rost av både kritikere og publikum, noen til og med tiltrekker seg Oscar buzz (og noen utfører Oscar seg selv), og vil vare og bli husket ti, tjue, enda femti år fra nå. Ikke glem å holde applausen til slutten.

10

Singin 'i regnet 1952

Utgitt i 1952, midt i det som ofte kalles "Golden Age of Musicals", har Singin 'in the Rain vært et av de mest varige eksemplene på musikalsk kino. Starring Gene Kelly, Donald O 'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen og en kort, men enestående, cameo av Cyd Charisse, viser denne musikken noen av de største dansene i sin tid. Ikke bare dette, men det har kanskje en av de mest gjenkjennelige scenene i kino til dags dato. Det ble nominert til to Oscar, inkludert en beste skuespillerinne i en rollespill for Jean Hagens prestasjon som den skarpe Lena Lamont.

Det forteller historien om fødsel av "talkies" (eller snakkende bilder) i Amerika. Året er 1927, og The Jazz Singer har blitt en vill suksess som den første filmen til enhver tid viser sine skuespillere å synge og snakke. Don Lockwood (Gene Kelly) er stjernen i Monumental Pictures, og har slått ut treffene med sin forferdelige co-star Lena Lamont siden oppdagelsen av studioet, da han bare var en ydmyk stuntman. Å lage en talkie ville ikke være en så vanskelig oppgave hvis det ikke var for Lena's totale mangel på talent eller nåde på skjermen, nå som det uforgivende tillegget av lyd har avslørt hennes verste kvalitet.

Minneverdig Scene: Mens Gene Kelly danser i regnet er fantastisk, er det mange andre flotte forestillinger. Det er umulig å overse Cyd Charisse i rollen som en navngitt danser i "Broadway Melody" montasje. Hun forfører Gene Kellys karakter før han bryter sitt hjerte, og publikum er utvilsomt sikker på dette, selv om ingen linjer blir snakket. Hennes smarte, forførende dans nummer i en smaragdgrønn kjole er nesten risqué.

9

Herrer foretrekker blondiner 1953

http://www.youtube.com/watch?v=8ZRs__rmYMc&feature=youtu.be

Denne musikken var enormt vellykket på kassekontoret etter utgivelsen i 1953, men femtiåtte år senere er Marilyns smoldering som Lorelei Lee, en gullgravende showgirl, fortsatt populær og kjent. Hovedsakelig takket være scenen hvor hun synger "Diamonds Are a Girl's Best Friend", mens hun har på seg hennes ikoniske rosa kjole. Musikken har også et annet, men mindre kjent sexsymbol, Jane Russell, som døde tidligere i år.

Filmen er praktisk talt overfylt med de to kvinners sexappell, og de spektakulære kostymer og musikalske tall. Det har blitt mye kjent, ikke bare av disse grunnene, men fordi det sementerte Marilyns status som en stjerne. Før gentlemen Prefer Blondes ble hun ansett som en ganske liten skuespillerinne, som ikke var på nivå med andre sexsymboler som Jane Russell og Betty Grable. Etterpå raket hun til verdensomspennende berømmelse.

Minneverdig Scene: Utvilsomt Marilyn synger "Diamonds Are Girl's Best Friend." Hun har sjelden vært så vakker eller virket så i kontroll under en forestilling. Til tross for at hun ikke er danser eller sanger, utstråler hun nåde (og praktisk talt overløper med sexappell) og viser en overraskende god stemme. Kostymen og settet er blendende lyse, men regissøren er forsiktig med å sikre at ingenting og ingen skiller ut Marilyn i hennes mest ikoniske forestilling, mest åpenbart av hans valg for å dekke de kvinnelige dansers ansiktene med svart netting.

8

Kongen og jeg 1956

Kongen og jeg eksemplifiserer praktisk talt den feiende, grandiose scenemusikken som filmene hater, men til tross for dette var det en av de få i sitt slag å ikke bare oversette ekstremt godt til skjermen, men oppnå både høye takster på kassekontoret og positivt reaksjoner fra publikum og kritikere. Basert på det nittende århundre, forteller det historien om Anna Leonowens (Deborah Kerr), en engelsk lærer ansatt for å undervise og omsorg for barn av King of Siam (Yul Brynner). Til tross for at noen ganger viser de ofte aksepterte rasistiske stereotypene i sin tid, viser Kongen og jeg også mange sanger som fortsatt er elskede og anerkjente: «Bli kjent med deg», «Skal vi danse» og «Jeg plystre en lykkelig melodi " for å nevne noen.

Kongen og jeg ble nominert til totalt ni Oscar (inkludert Best Picture, Best Director og Best Actress), og vant 5 av kategoriene hvor den ble nominert, inkludert en beste skuespillerpris for Yul Brynner.

Minneverdig scene: Den mest visuelt og musikalsk fantastiske scenen må utvilsomt være den scenen hvor konge og Anna waltz (vel, polkaen) til sangen "Shall We Dance?" Det oser i stort sett med seksuell spenning. Det er den åpenbare attraksjonen og vennskapet mellom kongen og Anna som bidrar til å gjøre filmen så oppsiktsvekkende, da det tydeligvis ville vært mye dømt for at de to var romantisk involvert i tiden filmen ble satt inn (eller til og med i løpet av tiden det var utgitt) og det gjør filmen kraftig, så vel som visuelt imponerende.

7

Min rettferdige dame 1964

Min Fair Lady begynnelsen var kontroversiell. Julie Andrews, som hadde spilt Eliza Doolittle i sceneproduksjonen, ble først vurdert for filmrollen før han nesten ikke ble overset. Årsakene er spekulative; produsentens forklaring var at de trodde at det var for risikabelt å kaste en scenes skuespillerinne i en million million dollar produksjon. Det er imidlertid sannsynlig at hun bare ikke ble ansett å ha nok stjernekraft til en stor Hollywood-musikalsk. Audrey Hepburn ble allment ansett som en skjønnhet, og var allerede en etablert skuespillerinne etter sine forestillinger i andre klassikere som Breakfast At Tiffany's (1961) og Paris When It Sizzles (1964).

Andre kontroverser fulgte, for det meste senteret på valget for å doble 90% av Audrey Hepburns sangdeler med Marni Nixons stemme. Et valg som opprører Audrey, og antas å være en av grunnene til at hun ble snubbet for en Oscar-nominasjon.

Til tross for disse hikke løste utgivelsen av My Fair Lady på $ 72,000,000 på billettkontoret, og ble nominert til tolv Oscar (inkludert Best Supporting Actor og Best Supporting Actress). Det vant en svimlende åtte av disse nominasjonene. Disse vinnene inkluderte Best Picture, Best Director, Best Cinematography og Best Actor Award for Rex Harrisons prestasjoner som Henry Higgins, den arrogante professoren i fonetikk som satser på at han kan omdanne en Cockney Flower Girl til en "riktig dame".

Minverdige Scene: Min Fair Lady briljant satiriserer klassen forskjell, men aldri mer perfekt enn i "race kurs scenen", der Eliza sanne natur er dessverre åpenbart gjennom hennes manglende evne til å holde liten snakk, i stedet begynne en historie om hvordan tanten hennes var " ferdig i "over en stråhatt, og så helt taper hodet når løpet starter.

6

Mary Poppins 1964

http://www.youtube.com/watch?v=yu23HHmOG48&feature=youtu.be

Til tross for det mange kunne si, var en ganske kald handling på vegne av produsentene av My Fair Lady, Julie Andrews gikk videre til stjernen i en svært populær og vellykket musikalsk av seg selv, i samme år ble My Fair Lady utgitt. Mary Poppins trenger virkelig ingen introduksjon, fordi jeg er nesten sikker på at folk flest vil vite denne historien. Hvis ikke, handler det om en familie i Edwardian England som blir besøkt av det som bare kan beskrives som en "magisk barnepike".

Som en Disney-produksjon var Mary Poppins nesten garantert et varmt svar på kassekontorer, men jeg tviler på at noen kunne ha skjønt akkurat hvor lenge filmen ville være. Musikken er utmerket, og hvorfor ville det ikke være med en stemme som Julie Andrews 'i tittelrollen? Det er tvilsomt at musikken ville ha hatt den samme gnisten uten Julie Andrews i den. Hennes vakre stemme er tidløs og bærer hver eneste sang uten problemer. Man kan også tilgi Dick Van Dykes fryktelig dårlige Cockney-aksent, og i stedet fokusere på varmen og humor han brakte til karakteren til Bert.

Det er umulig å fortelle om en musikalsk vil bli omfavnet som denne har vært, men jeg tror at evnen til å underholde både barn og voksne er en av sine mange salgspoeng. De intrikate settene bidrar til å skape atmosfæren i tett Edwardian London, og de entusiastiske og engasjerte forestillingene fra hele spillingen, selv de to barna Jane (Karen Dotrice) og Michael (Mathew Garber), gjør det som kunne vært en veldig forgettable musikalsk inn i noe varig og elsket av mange mennesker.

Det bestod My Fair Lady for Oscar nominasjoner, og sikret en stor tretten nominasjoner, inkludert Best Picture and Best Director, men klarte bare å vinne fem. Men det var, og fremdeles er, de fleste Oscar noensinne vant av en Disney-film. Julie Andrews tok prisen for beste skuespillerinne, noe ironisk, gitt at Audrey Hepburn ikke engang hadde fått en nominasjon for hennes rolle i My Fair Lady.

Minneverdig Scene: Så mange å velge mellom. Hesteveddeløpsscenen hvor Maria, Bert og de to barna hopper magisk inn i en av Berts tegninger, er nydelig, og har to av sine mange populære musikknummer: "Jolly Holiday" og selvfølgelig "Supercalifragilisticexpialidocious" (ja, jeg kopiert og limt det). Men jeg tror at en annen stand-out er "Step In Time" når de unnslipper over Londons tak og møter Berts grimme chimney sweeper venner. Det er en flott dansesekvens. Jeg begynner å innse at hvis du ikke har sett denne filmen, kan det hende at det høres ut som en persons stoffdrevne fantasi, men jeg forsikrer deg om at det er en veldig sjarmerende og morsom liten film, og ganske barnevennlig.

5

The Rocky Horror Picture Show 1975

Ok, jeg løy. Ikke alle filmene på denne listen gjorde det bra da de først ble utgitt i kinoer. Rocky Horror, for eksempel, gjorde det veldig dårlig. Faktisk var det en komplett flop. Imidlertid var det veldig snart atoned for dette på alvor. På slutten av 1970-tallet begynte det å bli vist på den beryktede midnattsseksjonen og samlet raskt en stor kult over hele verden.Siden da har den blitt den lengste løpende filmen i teaterhistorie, og vises fortsatt i dag i kinoer rundt om i verden hver uke.

Det er uten tvil en underlig formel for en musikalsk: to "vanlige, sunne barn" (i virkeligheten et engasjert par) som befinner seg i et bisarrt katt- og musespill med eksentriske forsker Doctor Frank-N-Furter, spilt av Tim Curry. Men uten tvil har denne musikalske levetiden blitt sementert gjennom denne komplette respekt for virkeligheten eller konvensjonell kino. Den satiriserer en rekke andre filmer, som B-filmer, Science Fiction, Horror-filmer, og til og med andre musikaler, samtidig som de skaper briljant fengende sanger av seg selv.

De skarpe, no-nonsense hovedpersonene Janet (Susan Sarandon) og Brad (Barry Bostwick) blir nådesløs, da de blir kastet i en situasjon som blir stadig mer ubehagelig og bisarre. Tim Curry er perfekt som den promiskuøse og helt dårlige Dr. Frank-N-Furter.

Minneverdig scene: "Sweet Transvestite" -scenen. Hva annet? Tim Curry eksploderer på skjermen på seg veldig lite, helt forferdelig de to nykommerne, Brad og Janet. Det er noe å si om en mann som ser bra ut i nylon. Og hvem kan bære en melodi så bra mens den har høye hæler. Jeg vil også gi ærverdige nevner til "The Time Warp", som fortsatt er en favoritt på skolen formaler overalt, og "Hot Patootie", som Stiller Meat Loaf som en utilfreds ex-delivery boy.

4

Fett 1978

Utvilsomt den høyeste bruttende musikken på 1970-tallet, er Grease en annen filmmusikal som har vært godt elsket i flere tiår. Dette kan skyldes, delvis, sin stjernekraft. Med Olivia Newton-John og John Travolta ved roret som Danny Zuko og Sandy Olsen, har den blitt velsignet med lang levetid, som mange andre musikalske stjerner kan glide inn i uklarheten.

Men dessuten brakte den også scenen musikalsk som den var basert på skjermen med entusiasme og modvilje, ikke skygge fra å skildre noen av de mer kontroversielle temaene som tenåring, drikking og røyking, og karakteren Rizzo mistenkte uplanlagt graviditet. Det hadde også en score av elsket musikk å stole på, sanger som "Summer Nights", "Greased Lightning" og "You're The One I Want." Faktisk, "Summer Nights" og "You're The En som jeg vil ha "var begge nummer 1 treff i Storbritannia, og tittelssangen," Grease "av Frankie Valli, var nummer 1 i USA og ble spesielt skrevet for filmen.

Minneverdig Scene: Igjen, det er så mange i denne filmen. Det er utvilsomt en av de beste anerkjente av publikum for sin ikoniske 50-årige innstilling, og de mange klassiske sangene den produserte. Scenen på festivalen er en utfordring, ikke bare fordi den bringer livet til musikk og atmosfære på 1950-tallet, men på grunn av blandingen av drama og humor. Opprykket av Sandy blir usurped av Cha-Cha blir snart fuktet når noen av de mer boisterøse ungdommene bestemmer seg for å gi ny mening til sangen "Blue Moon".

3

The Lion King 1994

http://www.youtube.com/watch?v=vX07j9SDFcc&feature=youtu.be

Denne musikken er litt annerledes, ikke bare fordi det er åpenbart en animasjon, men fordi det er den eneste filmen på listen som opprinnelig var en film og senere ble tilpasset scenen. Sceneproduksjonen er fantastisk, og viser ikke bare briljans i skuespill og sang, men intrikate kostymer som gir livet til de afrikanske slettene. Musikken har vunnet priser både på scenen og på skjermen, inkludert to Oscar.

Ofte sitert som en av Disneys beste kreasjoner til dags dato, fokuserer den på den unge løven Simba, som blir kastet i konflikt etter at hans onde onkel Scar sikrer faren sin død. Det er basert på Shakespeare's play Hamlet. Filmen kan skryte av et bredt spekter av talenter: Mathew Broderick, Nathan Lane, Rowan Atkinson og Whoopi Goldberg for å nevne noen, og produsentene var tydelig dedikert til å være like realistiske og lojale i deres skildring av Afrika som mulig.

Historien er også bemerkelsesverdig for sin tragedie og realisme. Døden er aldri langt på de afrikanske slettene Simba roams, og det er noen virkelig onde og ødeleggende tegn som ønsker den unge prinsen skade. Dens Shakespeare-røtter har funnet en virkelig flytte og dramatisk historie, mens musikken er ganske enkelt vakker. Det føles ikke som det ble lagt til som en ettertanke, som det kan i mange andre animerte filmer, men føles dypt forankret i historien.

Minneverdig scene: Jeg synes det er nødvendig å nevne både et musikalsk og ikke-musikalsk øyeblikk. Jeg tror spesielt at "Be Prepared" sangen er en briljant effektiv og visuelt rik scene, som også tjener til å gjøre Scar-intensjonene svært klare for publikum. En ikke-musikalsk scene som ofte har tatt imot publikums fantasi, er kort tid etter Simbas misadventure med hyenaene, hvor hans far Mufasa beskriver stjernene til Simba som "tidligere konger" og lærer Simba om sin fremtid som konge.

2

Moulin Rouge 2001

http://www.youtube.com/watch?v=msFLf9x7s6M&feature=youtu.be

Moulin Rouge er et annet unntak på denne listen. Det var ikke, og fortsatt ikke, en scenemusikk, men det er absolutt en musikalsk verdi å merke seg. Starring Nicole Kidman og Ewen McGregor, bryter denne musikken mot formen av den tradisjonelle musikken, istedenfor å injisere moderne musikk for å skape det som kalles "jukeboxmusikal." Selv om disse musikalene ofte blir kritisert for å stole for tungt på allerede etablert musikk, eller bare dumpe musikk inn i blandingen, brukte Moulin Rouge flittig moderne musikk til både å forsterke storylinet og skape de levende, fargerike omgivelsene til den parisiske bordelen, Moulin Rouge.

Historien fokuserer på kristen, den arketypiske "penniless skribenten" som tror på sannhet, skjønnhet, frihet og mest av alt kjærlighet. Han blir vanskelig for Satine, en vakker hermann som arbeider i Moulin Rouge, men han er ikke hennes eneste beundrer. En av de mest forfriskende aspektene ved denne musikken er at alle sangene er gjort av skuespillerne selv. Nicole og Ewans vokal er overraskende bra, og de bærer sangene svært godt.I Baz Luhrmanns varemerkestil er de musikalske tallene feiende og dramatiske, og naturen er så levende og fantastisk at den nesten er klaustrofobisk. Det er så mye å se på at det nesten blir overveldende, men dette utgjør perfekt atmosfæren av hva Paris natteliv må ha vært som i 1900.

Det ble nominert til åtte Oscar, inkludert Best Picture, Best Actress og Best Cinematography, og vant også en rekke andre priser, inkludert tre Golden Globes og en BAFTA for Jim Broadbents prestasjoner.

Minneverdig scene: Finalen er bemerkelsesverdig for sin feiende musikk, og imponerende visualer, i tillegg til sin dramatiske og tragiske crescendo. Christians introduksjon til Paris underverden er også en strålende scene, både for fargen og storheten av den, og også for Ewen McGregors passende "kanin i frontlysene" reaksjon på hans første syn på Satine. Nicole Kidman betaler hyllest til Marilyn Monroe, synger "Diamonds Are a Girl's Best Friend", men tar en jevnere, mer moderne tilnærming til klassikeren.

1

Chicago 2002

Den eneste musikalske siden 1968 for å vinne Best Picture, Chicago fornyet publikums interesse for musikaler og fulgte Moulin Rouges eksempel på å lage musikaler grittier, sexier og derfor mer appellerende til moderne filmgutter. Ved roret var Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones og Richard Gere, som ikke bare gjorde sin egen sang, men også gjennomgått trening slik at de kunne gjøre all sin egen dans. Jeg ville til og med gå så langt som å si at dette var bedre enn sceneproduksjonen. Det har en grittiness til det og en stor skala som virker litt eiendommelig og squashed på scenen.

Historien forteller om to morderes, Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones) og Roxie Hart (Renee Zellweger) som sendes til Cook County fengsel for mord. Velma er en nattklubbdanser som blir arrestert for å skyte sin ektemann og søster etter å ha funnet dem i seng sammen, og Roxie er en wannabe-stjerne som skyter sin kjæreste til døden etter at han ikke klarer seg godt på sitt løfte om å gjøre henne berømt. Under Matron "Mama" Morton (Queen Latifah), lukter de begge planene for å slippe ut av lovens clutcher, ved hjelp av advokat Billy Flynn (Richard Gere).

Denne musikalske var nesten helt sikkert vellykket på grunn av sin kloge bruk av musikalske tall. Mange liker ikke bruk av "sang dialog" utenfor et teater, og som de andre musikalene på denne listen, brukte Chicago musikk til å farge miljøet og gi underholdning i stedet for bare å fremme historien, som ofte kan være kjedelig og sakte i bevegelse . Tallene er klumpete og provoserende og ekstremt fengende.

Merkbare tall er: "Funny Honey", hvor Roxy synger om hvordan hun alltid kan stole på sin sakte ektemann for å ta skylden for henne, "All That Jazz", en introduksjon til risqué © antics of Velma Kelly på kvelden hennes klubb, "Cell Block Tango", en montasje av alle damer av mordrad og deres forskjellige voldelige forbrytelser, og "Hot Honey Rag", Velma og Roxy's finale. Men nesten alle tallene er fengende og visuelt interessante; Det er ikke en følelse av at en bestemt sang er et "kjedelig nummer". Kanskje fordi det er svært liten sentimentalitet i denne filmen, og enda mindre avhengighet i å bruke musikken for å fremme historien.

Som jeg sa før, har denne filmen utført Best Picture i 2002. Noe som har irritert mange mennesker siden, som er et godt eksempel på mottakets mest musikaler, blir møtt med. De blir ofte kastet i samme kurv som komedier når det gjelder Academy Awards, og har sikkert ikke vært populær blant akademiet siden slutten av 1960-tallet.

Minneverdig scene: Jeg finner det vanskelig å velge en, men jeg tror Cell Block Tango er utmerket. Det har den riktige mengden sexappell og sjokkfaktor, og dansen er strålende. Hele kastet er ekstremt talentfullt.

+

Sweeney Todd 2007

http://www.youtube.com/watch?v=MjCUJh9iULk&feature=youtu.be

Hvis jeg ble tvunget til å velge en favorittmusikal av disse, ville jeg sannsynligvis velge Sweeney Todd. Jeg understreker at "sannsynligvis." Dette er et annet eksempel på "musikalene for folk som hater musikalske" sjanger som Chicago og Moulin Rouge tilhører. Men i stedet for sex bruker den blod til å vie sine publikum. Masse blod. Selv om dette nok er et resultat av at han har Tim Burton som regissør, som aldri har vært sjenert når det gjelder grusom vold.

Uansett oversett Sweeney Todd ekstremt godt fra sin opprinnelse på scenen, hvor Angela Lansbury (tekanne i "Beauty and the Beast" for de av dere som ikke ivrig følger de uendelige reruns av "Murder, She Wrote ") Spilte fru Lovett. Filmen har en helt fantastisk gjengivelse av seg selv, som viser noe flott ung engelsk talent, samt et veletablert talent: Johnny Depp og Helena Bonham Carter ved roret, med Alan Rickman, Timothy Spall og Sacha Baron Cohen (ja, fyren som spilte Borat) som like gode co-stars.

Historien er satt i viktoriansk London, og Tim Burton har kjærlig laget den grimiest, grittiest og mest ugudelige verden han kunne forestille seg. Sweeney Todd har returnert fra Australia etter å ha betjent femten år for en navngitt forbrytelse han ikke begikk. Han ble feilt dømt av dommer Turpin (Alan Rickman) som er en ekstremt rik og kraftig seksuell avviker, som hadde øye på Sweeneys kone. Sweeney vender tilbake til London, og ønsker bare å finne sin kone igjen, men han vender tilbake for å finne huset tomt, hans kone død og datteren hans i klypene til mannen som ødela sitt liv.Sweeney flyr i en raseri og begynner å planlegge å slakte dommeren, og noen andre er uheldig nok til å komme seg i veien.

Det er ekstremt mørkt. I motsetning til mange andre musikaler, er det ikke sjenert fra blod, vold og ekstremt mørke temaer. Men til tross for sin grimness, er det mye som er visuelt fantastisk om denne filmen. Det kan virke rart å hevde at landskapet ser ut til å være ganske kutt og vasket ut, men Sweeneys blodige hevn på hver mann som har ulykken til å komme til ham for barbering, er nesten kunstnerisk i sin vold og blodighet.

Minneverdig scene: Montasje av Sweeney slår sine kunders hals mens du synger om hans smerte ved å miste sin kone og datter, men det er også ganske morsomt, men "The Little Priest" er et glimrende eksempel på Johnny Depps evne til å miste seg nesten helt i hans karakter. I denne scenen utformer han og fru Lovett en plan for å kvitte seg med kroppene som kan begynne å hakke opp hvis de ikke finner en egnet måte å avhende dem på. Heldigvis har fru Lovett en delectable plan.