10 Grim Temaer Of Death In Western Art

Kunst er ofte tematisk kunstnere har utforsket vanlige ideer i ulike medier og fra ulike perspektiver gjennom tidene. I middelalderen, som begynte rundt 1400-tallet, tok kunst en sving mot mørket da pesten kjent som den svarte døden stammer fra Europa som apokalypsen selv. Denne perioden ble ofte fylt av fortvilelse og håpløshet, og for første gang ble flere forskjellige temaer som dreide seg om døden utviklet eller mer utforsket.

10Plague Art

Det er umulig å understreke effekten som den svarte døden hadde på middelalderens samfunn. Peaking i Europa et sted mellom 1348 og 1350 med ytterligere utbrudd i 1361 og 1430-tallet, var pesten en bacillus som kunne bli kontrahert av bitt av en smittet loppe eller rotte eller gjennom luften, avhengig av variasjonen. Den første bølgen av den svarte døden drepte anslagsvis 25-50 prosent av Europas befolkning.

Pesten fikk seg til å føle seg gjennom middelalderkulturen, hvor folk fant et uttak for å uttrykke sin kollektive fortvilelse og depresjon. Kunstnere som tidligere hadde malt gledelige scener som skildrer ond hengivenhet eller høye illustrasjoner av menneskehetens prestasjoner, ble nå vendt til scener av død og ødeleggelse. Religiøse temaer ble også mørke, med fokus på fiender i helvete og syndens lønn, og i økende grad snu ryggen på himmelens fordeler eller rituals komfort. Det var i dette makabre miljøet at flere temaer begynte å dukke opp rundt døden i tidlig europeisk kunst, ikke minst som selve pesten var.

Giovanni Boccaccio brukte den svarte døden som bakgrunn for sin klassiker Decameron, en historie om menn og kvinner som flykte byen til en liten villa for å unnslippe pesten. De herlige historiene de forteller mens de er gjemt, er et sterkt motspill mot ødeleggelsen som skjer utenfor. Begravelsesprosess scener - allerede et vanlig tema i kunst - ble malt og viste ikke kjente konger eller hellige som tidligere, men anonyme pestoffer som de ble ført til graven. Etter hvert som flere og flere mennesker begynte å se pesten som en slags guddommelig fordømmelse, understreket kirken viktigheten av frelse gjennom religiøs ritual og omvendelse som det riktige middel til å bekjempe epidemien, en holdning som er reflektert i verk som brothers brødre ' Prosesjonen av Saint Gregory (1300) og James le Palmers belysning fra 1400-tallet for Omne Bonum, som skildrer pestoffer som mottar en prests velsignelser.

Realistisk malte scener av pasienter som ble behandlet på sykehus og hjemme var utbredt, spesielt under renessansen. Disse ble ofte ledsaget av nøyaktige skildringer av de døde sårene og hovne pustler, som i Jacopo Robusti s St. Roch på sykehuset. ("Pest-helgener" var en sjanger i seg selv.) "Dødsengen" -scenen, der en døende person er seremonielt omgitt av kjære, stammer fra den svarte dødsperioden på 1400-tallet. Det var også en trend mot å skildre skulpturelle figurer på gravene som faktiske lik, ofte med tegn på pesten eller til og med fullt skjelett, i stedet for idealiserte portretter av den avdøde. Da døden ble en grum realitet og himmel en fjern abstraksjon, gjorde realismen et godt comeback innen europeisk kunst.

Dette er bare noen få eksempler på hvordan den svarte døden hadde direkte innflytelse på middelalderenes kunst gjennom opplysningene, som inspirerer oss til denne dagen. I 1988 utgav avant garde diva Diamanda Galas den første platen i henne Pestmasse trilogien, Masque of the Red Death, et svart døde-inspirert blikk på AIDS-epidemien som sikkert ble registrert i helvete.

Kjøp denne utrolige utgaven av Death of St. Gregory på Amazon.com!

9Death Som En Reaper Of Souls

Alle kulturer i alle tider og steder har personifisert død i en eller annen form. For oss moderne mennesker er en av de mest umiddelbart gjenkjennelige personifiseringene Grim Reaper. I dag er han for det meste funnet på heavy metal album dekker eller goth smykker, men til middelalderen, var han en autentisk terror.

Tanken om døden som en reaper som holder en scythe som han bruker til å høste sjeler, er en oppfinnelse fra det 15. århundre som trekker på mange tidligere kilder. Inspirasjon fra gresk mytologi inkluderte Titan kalt Kronos (som romerne kunne ha forvekslet med Chronos, tidens gud) og båtmannen til elven Styx i underverdenen kalt Charon. Før sin moderne form ble fullstendig utviklet i Europa, ble døden vanligvis portrettert som et lik som holdt en kulebøyle, dart, bue eller et annet våpen. Det var under pesten at Europa begynte å skildre døden som et skjelett med en scythe og iført en svart (eller noen ganger hvit) kappe. Han ble vanligvis portrettert som en veileder som ville se ut på emneets angitte time for å lede dem bort, men i senere historier tok han faktisk livet selv, og ofrene kunne jukse eller prute med ham.

Død som reaper finnes i alle former for kunst over hele Europa. Han har dukket opp i skuespill, sanger, poesi, romantisk litteratur og bawds. Han cavorts gjennom de mørkere malerier av Breugel og er ofte figuren av "danse macabre" kunst. I skulpturen er en biskop fra 1700-tallet i Tysklands katedral i Trier, ledsaget av Grim Reaper, et godt eksempel. Mens Bibelen aldri portretterte døden som en reaper, brukte mange kunstnere fra det 15. århundre frem mot motivet i bibelsk kunst. Gustave Dore er gravering av Død på en blek hest (1865) er et spesielt dramatisk eksempel.

8Dans død

En tro utviklet seg gjennom pestårene at de døde kunne stige opp fra sine kirkegårder og trekke noen uheldig forbipasserende til en ghoulish dødedans.Disse folkloristiske trosretningene, drevet av periodepoesi om dødens uunngåelighet og et tradisjonelt dramatisk lek som ble vedtatt i Tyskland, fant seg raskt inn i europeisk kunst som et samfunnsmessig allegorium om dødelighet, som fikk stor popularitet. Meldingen er tydelig i danse macabreIngen rømmer bort døden, så det er klokt å forberede sjelen din for å regne.

De danse macabre portrettert klassens hierarki, fra pave til vanligere barn, engasjert i daglig rutine som de ble tvunget inn i døds ventende armer. Et av våre tidligste bildeeksempler er fra en serie malerier opprettet i 1424-1425 og tidligere vist i Cimetiere des Innocents i Paris. Originalene ble ødelagt i 1669, men Paris-skriveren Guy Marchant bevarte sin essens i en serie av treverk sammen med versene som fulgte dem.

Motivet nådde sitt ultimate uttrykk i Hans Holbein den yngre tresnitt og vers Dødedansen. Den ble først publisert i 1538 som en bok med 41 tresnitt, mens senere tilføyelser i 1545 og 1562 tok denne tellingen opp til 51. Hele teksten, samt alle tresnittene, finnes her online. Et annet fantastisk eksempel, dette i maleri, er Bernt Notkes Danse Macabre. Det ble ødelagt under bombing i andre verdenskrig, et arrangement som ble ansett som et stort tap for kunst.

7Dansen av skjelettene

Et annet tema relatert til dødedans er dans av skjeletter, som vi først og fremst kjenner gjennom en treskjæring av tysk humanist og tidlig kartograf Michael Wolgemut som dukket opp i Liber Chronicum ("Verdens Kroniske"), en bok skrevet av Hartmann Schedel og publisert i 1493. Skelettdansen er forskjellig fra dødsdansen, fordi den er strengt basert på folklore, uten sosiale eller moralske budskap. Skjeletter er vanligvis avbildet kommer frem fra åpne graver, cavorting om, og ofte spiller musikk og dans. Wolgemuts trebjelke er et vakkert eksempel på sjangeren, som ble brukt til å illustrere og spenne i stedet for å utdanne eller forkynne for betrakteren.

Skjelettdansen var et kortvarig tema i tidlig kunst, med få overlevende eksempler. I nyere tid har det skjæret opp i musikk da Camille Saint-Saens baserte sin 1874 Danse Macabre på dansedans og skjelett dans temaer. I film gjenopplivet Walt Disney og dumme symfonier temaet i 1929 i den utødelige og ofte etterligne korte tegneserien "The Skeleton Dance", hvor fire skjeletter danser rundt en kirkegård og terroriserer de levende beboerne.

6Anamorfose og skjulte symboler for døden

Anamorfose, som betyr "bildet i bildet", er en teknikk som noen ganger brukes i kunst for å lage skjulte bilder som bare kan ses riktig fra bestemte vinkler eller under de rette forhold. Det ble først sett i Europa i 1485, da Leonardo da Vinci brukte det til å skildre et menneskelig øye. Flere kunstnere har innarbeidet anamorfose i temaer av død, det mest kjente eksemplet som er Hans Holbein den yngre s Ambassadørene (1533).

Maleriet er et dobbeltportrett av Jean de Dinteville, fransk ambassadør til Henry VIII, og hans barndomskvinne Georges de Selve, biskopen av Lavaur, som også flere ganger var en ambassadør. Det ble malt i reformasjonens tidlige år, og er i ferd med politisk og teologisk symbolikk på disse temaene, men det mest ødeleggende elementet er en merkelig, langstrakt oval form nederst i maleriet, som løser seg inn i en skalle når den ses med øyet i en stilling i nærheten av biskopens hånd. Et av formålene med denne skjulte skallen var å minne de kraftige aktørene som var involvert i denne tidens problemer for å være ydmyke og oppmerksom på deres dødelighet.

Anamorfose og andre former for skjulte bilder har blitt brukt gjennom kunsthistorien siden Da Vincis dag. Et senere eksempel er Charles Allan Gilbert Alt er forfengelighet (1892), hvor en viktoriansk æra dame beundrer seg i et speil som med et skift i syn blir til en skalleskalle. Du kan finne et moderne eksempel på anamorfose med dødsemne i arbeidet til den ungarske kunstneren Istvan Orosz, som skaper illustrasjoner med en middelalderlig tresnittfølelse som alltid skjuler en skalleskalle.

5Ded og jomfruen

Temaet for død og jomfru kan spores hele veien til det gamle Hellas og historien om Persephone, som ble kidnappet av Hades og ført til underverdenen etter å ha hentet narcissusblomsten. En av dens temaer er kjent - at døden overvinter alle, selv kvinnens stolte skjønnhet - men i det 15. århundre begynte temaet å få unike egenskaper og ble åpenbart seksuelt. Kvinnene som var omfavnet i armene av lik eller skjeletter, var nå engasjert i et intimt samleie med døden.

Mellom Niklaus Manuel Deutschs Danser av døden og Død og jomfruen (1517), kan vi faktisk se overgangen. I det forrige danser døden med en elegant dame, og legger begge benige hender fast på hennes bryster. I sistnevnte døde dør ikke lenger, han omfavner henne fullt og kysser henne kraftig som hendene går til kjønnsorganene hennes. Jomfruen prøver å motstå men hjelpeløs å gjøre det.

Dette sterkt erotiske bildet, som noen ganger ble brukt av kunstnere til å rettferdiggjøre nakenbilder til kirken, ble brukt igjen og igjen gjennom det 15. århundre og utover. Et maleri i en serie malt mellom 1518 og 1520 av Hans Baldburg Grien skildrer en Madonna-lignende nakenfigur som er graspet av et tørket lik, mens sæd og foster, som var symboler for fornyelse av livet, dreier seg om dem. Denne symbolikken vil bli brukt igjen av Edvard Munch i hans Død og liv (1894).

Et av de mektigste moderne eksemplene er en tegning av tysk avantgardeartist Joseph Beuys.Skapt i 1959, avbilder døden og jomfruen på en konvolutt som bærer frimerke for en organisasjon av overlevende Holocaust. I denne tegningen er både død og jomfru ubetydelig og fortolket, et testament til livets flyktige natur og dødens billighet i den katastrofen.

Et lignende dødsrelatert tema som stod opp i kunstens kunst, kalles «de tre årene av mannen», selv om det vanligvis viser kvinner. En figur vises etter hvert som et barn eller nyfødt, en ung voksen, og til slutt en middelaldrende kvinne, hvor døden står for å lede motivet utenfor avverdenen. Et godt eksempel er Greins De tre årene av menneske og død (1510).

4Triumph De La Mort (Dødens triumf)

Mye mer forstyrrende enn dødedans, motivet "triumf av død" var et annet tema som var vanlig blant middelalderens artister. Som under dansen var den underliggende meldingen at dødeligheten er uunngåelig, men i motsetning til "dansen", viser "triumf" -tema døden som et kaos og ødeleggelsesinstrument, en brutal diktator hvis minions feier over alt og ødelegger alt i sin vei. Det var spesielt knyttet til krigstid og pest. Dette temaet går tilbake til minst 1400-tallet, da det allerede var en utbredt ide når en ukjent kunstner malte en freske i retten til Palazzo Sclafaniin, Palermo i Sør-Italia. Dødens triumf (1445) har et buehjulende skjelett som kjører en skjeletthest og skyter piler på sine mål, middelalderbyboere i alle samfunnslag som går rundt sine daglige rutiner.

Det ubestridte mesterverket av dette temaet er Dødens triumf (1562) av Pieter Bruegel the Older. I maleriet blir en en gangs fredelig middelalderby redusert til en apokalyptisk ødemark av en hær av reapers og lik. Det er som Bruegel utelukket hver en av sine middelalderske scenemalerier i et lerret. Bokstavelig talt løper hundrevis av avbildninger og symboler i hverdagen gjennom maleriet, hver en liten moralspill hvis avhandling er døden. Selv en konge får ingen utsagn. Et lik viser sin timeglass og løper ut av tiden, og kongen bukker seg ut som et annet pansret lik hjelper seg med sin samlede rikdom. Alt er tapt. Alt er nytteløst. Døden triumferer alltid til slutt.

Dødens triumf er allment ansett som en av de viktigste maleriene i sin tid. EN Wall Street Journal artikkelen bemerket at "Brutaliteten av disse bildene har gitt Bruegels bilde en elendig og kontinuerlig relevans. Det ser ut til å forutse beskrivelser av trettiårskriget i det 17. århundre. De fleste forstyrrer et perspektiv fra det 21. århundre er det som vises til høyre for bildet som rektangulære beholdere hvor mennesker blir tvunget inn og sendt til deres dødsfall. Enhetens likhet med nazistiske teknologier for masseutryddelse har rammet mange seere. "Så lenge det er krig, hungersnød, pest og selve døden, vil Bruegels mesterverk fortsatt være et maleri som forstyrrer oss selv når det resonerer.

3Den Grateful Dead

Motivet til den "takknemlige døden" er sjelden i billedkunst, mer vanlig forbundet med folklore og litteratur. Legends om den takknemlige døde dreier seg om to grunnleggende temaer. I den første utfører noen en tjeneste eller tjeneste til en som er død, for eksempel å ta vare på ubetalte gjeld eller betale for en begravelsestjeneste, og belønnes på en eller annen måte av sin ånd. På den annen side går noen som har behov for hjelp inn i en kirkegård og ber om hjelp. De døde stiger opp fra sine graver for å hjelpe de levende.

Den førstnevnte dateres tilbake til det gamle testamente med den apokriske bok Tobit. Det ble senere hentet i litteratur, særlig i middelalderlige romanser. Sistnevnte kan ses i en freske som kalles The Grateful Dead's Legend, malt i Sveits av en ukjent kunstner i begynnelsen av 1500-tallet og restaurert i 1740. Det skildrer en mann som blir jaget av et band med tyver i et ukjent kirkegård hvor han knelter for å be. Før de morderiske tyvene kommer til ham, graver gravene rundt seg med de dødes lik som skynder seg for å forsvare mannen med pinner og syner, takknemlig for bønnene som vil tillate dem å hvile i fred.

Budskapet om de takknemlige, døde historiene er mye forskjellig fra de fleste dødsrelaterte temaer for europeisk kunst, kanskje fordi minner om pesten var tilbakevendende og flere mennesker tillot seg å være positive om fremtiden. De minnet de levende om å tenke på sine kjære og holde dem i deres bønner og å huske de som var borte.

Døden er også et vanlig motiv i popkulturen. Kjøp denne fantastiske Death of Superman Plakat på Amazon.com!

2Skulls In Art

Kanskje ikke noe annet ikon har hatt en så universell innvirkning på symbolikk og kunst enn menneskeskallen. Dens symmetriske egenskaper er visuelt tiltalende for øyet, selv om dets åpenbare tilknytning til døden fascinerer og stryker på samme tid. Nesten hver kultur har gjort bruk av det, oftest som et symbol på dødelighet, men noen ganger som en bekreftelse på livet, som for eksempel Mexicos bruk av skaller og skjeletter under Dia de los Muertos ("Day of the Dead") festivaler.

Hodeskallen er ofte innlemmet i fortsatt livsmalerier sammen med andre relaterte objekter. Noen ganger ble det brukt et sted i et maleri som en intimasjon av døden eller malt på baksiden av portretter for å tjene samme formål. En kraniet kan også brukes som erstatning for det aktuelle motivet i et portrett hvis personen var død. I Braque Family Triptych (1452) av nederlandsk maler Rogier van der Weyden, er en skallle avbildet ikke bare som en memento mori men en skildring av patronen, hvis prestasjoner er symbolisert av murstein og familiekammen også vist.Hodeskallen var en vanlig egenskap for smykker selv i middelalderen, da både menn og kvinner i overklassen hadde medaljonger som ble gravert med ansikter på den ene siden og hodeskaller på den andre som en påminnelse om døden og plikten til å lede moralske liv.

På grunn av sin estetiske appell, ble kranier ofte brukt til ikke-symbolske og rent dekorative formål også. Cezannes De tre skallene (1900), en av flere malerier han gjorde av faget, kombinerer elementer av impressionisme og ekspresjonisme, og skaper komplekse samspill av lys og form som har teknisk og emosjonell betydning, men uten vekt på symbolsk mening som preget tidligere vestlige skildyrsskildringer. Ved den 18. og begynnelsen av 1800-tallet, hadde skallen blitt et symbol på pirater og deretter rakes, ne'er-do-wells og outlaws. Denne bruken fortsetter i dag, som det kan ses i mote og smykker av syklister, punkrockere og andre anti-autoritære subkulturer.

1Anatomi som kunst

I 1697 imponerte den nederlandske anatomisten Frederik Ruysch Peter den Store at den russiske tsaren kjøpte hele samlingen av sitt verk fra Ruyschs anatomiske museum. Anatomiske skjermer av konserverte mennesker og dyr lik og skjeletter var ikke nye, og heller ikke var slags formonske bildetekster ofte plassert på plaketter for å beskrive scenene, men det som gjorde Ruyschs arbeid unikt var at han gjorde sitt beste for å skildre skjønnhet av anatomi og død.

Med renessansen i full gang og minnet om pestens tilbakegang, tok blomstringen av moderne vitenskap med seg nye holdninger til døden og døende. Døden kunne ses som en syklus igjen, en motstykke til livet som var like viktig og gripende. Ruysch forsøkte å fange disse idealene i sitt arbeid, som kombinerte balsameringsteknikker med skulpturelle og maleriske konsepter for å skape arbeider som inneholdt mumifiserte barn og bevarte foster og skjeletter med fortsatt liv og kunstneriske utsmykking som ble opprettet med andre anatomiske detaljer, inkludert trær og busker dannet fra menneskelige arterier og bergarter dannet fra nyrestein.

Ruysch fortsatte sitt arbeid gjennom det 17. århundre. Dessverre, ingen av hans dioramas overlever i dag, selv om noen få dekorert babyer bevart i krukker eksisterer fortsatt. Vi vet om dem takket være graveringsarbeidet, hovedsakelig Cornelius Huyberts, som publiserte dem i Thesaurus Anatomicus.